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Siempre me ha parecido curioso como estos grandes hombres que revolucionaron la moda desde los 80´s hasta los 00´s acabaron con una etapa de forma tan abrupta, genios que se elevaron a los cielos para luego descender a los infiernos. Obviamente hablo de Alexander Mcqueen, John Galliano, Tom Ford, Marc Jacobs, Martin Margiela y la lista continúa.

Grandes nombres que elevaron la moda a la categoría del arte y deslumbraron a una generación con sus creaciones, pero su paso por la grandeza también marcó su destrucción como personas.

Algunos se retiraron del ambiente creativo, otros cambiaron para no volver a ser los mismos, y algunos lamentablemente también dejaron el mudo terrenal, en busca de la paz que no encontraron en vida.

Para la periodista Danna Thomas, todo este desenfreno comenzó en la misma época en que las grandes casas de la moda salieron a la bolsa y se convirtieron en marcas globales multimillonarias.

Christian Dior Alta Costura Primavera 1998 muestran . © Stephane Cardinale / Sygma / Corbis

A partir de los 80´s se produjo un cambio de ciclo en la junta directiva de las principales casas de moda. De familias aristocráticas, burguesas y amantes del arte, las casas pasaron a ser dirigidas por gerentes que nada tenían que ver con la moda o el lujo, gente que venía de industrias de consumo masivo o productos congelados, pero con un éxito y visión comercial innegable.

La moda como negocio:

A partir de esta época la idea no era vender ropa, el negocio se centraba en productos ligeramente más accesibles, en realzar la división de relojes, perfumes, joyería y marroquinería.

Pero ¿Cómo lograrían dar este halo de deseo a marcas pasadas de moda? La fórmula la idearon los hermanos Gérard y Alain Wertheimer, propietarios de Chanel, al fichar en 1982 al mejor diseñador de la época: un joven alemán llamado Karl Lagerfeld, quien logró introducir su toque vanguardista a la casa, pero que también podría generar controversia mediática.

Esta fue la estrategia que usó Bernard Arnault: rejuveneció las marcas al fichar a diseñadores jóvenes con carisma, talento y ligeramente revoltosos, que generaban polémicas dentro y fuera de la pasarela, para alimentar el boom mediático. De esta firma creaban un halo de deseo en torno a las firmas y sus productos.

Arnault puso a Galliano enfrente de Christian Dior, a McQueen, en Givenchy, Marc Jacobs en Louis Vuitton y Tom Ford en Gucci.

Este es el caso de Bernard Arnault, Director general de LVMH, cuyos comienzos se remontan a la ingeniería y construcción inmobiliaria. En esa época Arnault, era un conocido tiburón de las finanzas que hizo sus primeros millones vendiendo apartamentos turísticos antes de convertirse en el hombre más rico de Francia.

Fue entonces cuando decidió invertir en marcas de moda francesas devaluadas y malbaratadas, pero con un nombre histórico.

Andrea Renault / Globe Photos / Cortesía de Penguin Press

Obviamente el resultado de esta estrategia fue un gran éxito comercial que llevó al estrellato a estos jóvenes, pero que terminó abruptamente en los dos mil cuando se produjo un cambio de ciclo para los visionarios de la moda, tras décadas de excesos el modelo de trabajo se hizo insostenible.

Lo realmente trágico es que quienes pagaron la factura fueron los diseñadores que nos hicieron soñar. Durante esta época Christian Lacroix cerró en 2009, Martin Margiela quien ya se había vuelto hermético, se terminó por asquear del mundo de la moda y se retiró.

Tom Ford cayó en depresión, Marc Jacobs fue a rehabilitación dos veces y Therry Mugler se retiró. Pero las dos historias más icónicas de esta era fueron las de John Galliano y Alexader McQueen, ambos tremendamente talentosos, con grandes similitudes y con adicciones muy conocidas.

“Galliano y McQueen aguantaron más tiempo que la mayoría de sus colegas de profesión simplemente porque eran dos de los egoístas más fuertes y decididos de los muchos que hay en el mundo de la moda”, sentencia la periodista Danna Thomas.

El primero protagonizó un escándalo racista en una combinación de alcohol y pastillas que lo llevó a salir abruptamente de Dior en 2011. Tras años de silencio, hoy en día se aleja por completo de las cámaras y solo sabemos de él por su trabajo en Maison Margiela.

Según el ensayo de Thomas, cuando Galliano empezó diseñaba dos colecciones al año. En el momento de despido, supervisaba la impresionante cantidad de 32 colecciones al año. A ello hay que sumarle las presiones comerciales de vender, ser comercial y tener una vida social activa que diera titulares.

La nota trágica la daría McQueen, pero lo cierto es que su vida personal siempre estuvo cargada de episodios difíciles desde su infancia.

El declive del diseñador comenzó a hacerse cada vez más evidente para su entorno y para el público, adelgazó bruscamente, comenzó a abusar de las drogas y fantaseaba con la idea del suicidio, algo que llevó a cabo el 11 de febrero de 2010.

Este fue el fin de una era, supongo que los 00´s fue solo el resultado de años de excesos, la factura que teníamos que pagar por los excesos cometidos en el pasado. Lastimosamente los únicos que pagaron el precio fueron los artistas y diseñadores.

Los grandes genios de la moda nos han vestido e inspirado durante muchos años, nadie duda del talento y arte de un Alexander McQueen o un John Galliano o de Giannie Versace quien redefinió la sexualidad y explosividad femenina.

Pero durante años no ha sido más que eso: Hombres interpretando su idea de la mujer.

Esta vara se instauró en la industria de la moda y representó (y aún representa) el mito tóxico del genio (masculino) creativo que saca su inspiración del aire y obligó a muchas jóvenes diseñadoras a alejarse de las reglas corporativas instauradas por los hombres y pavimentar un camino nuevo para que toda una generación entera prospere.

Antes de que las grandes casas de moda del mundo tuvieran al mando a mujeres como María Grazia Chiuri (Dior), Virginie Viard (Chanel) y Clare Waight (Givenchy) una generación de mujeres desafío las los estándares e hicieron las cosas a su manera.

Donatella Versace, Alberta Ferretti, Vera Wang, Miuccia Prada, Rei Kawakubo, Dona Karan y muchas más, consiguieron un nombre dentro de la industria y han mantenido negocios viables a lo largo del tiempo.

Pero este proceso representó un camino empinado y aún hoy en día no es un progreso lineal. Durante años el elevar a las mujeres a los altos puestos creativos dentro de una casa de moda importante era todo un debate interno.

Según revelaron Pheobe Philo y Stella McCartney a Vogue, las mujeres no eran consideradas para los altos puestos por eso del asunto “quedar embarazadas” o porque según los expertos se consideraba que la ropa diseñada por mujeres era solo “moda usable” y no arte.

"Comencé a los 25 años en una casa parisina muy masculina", recuerda McCartney de su tiempo en Chloé, "pero noté que eran las mujeres más jóvenes las que realmente impulsaban las ventas".

Las declaraciones de la Stella, quedan resonando porque si bien no está a discusión el arte creado por los grandes diseñadores, en la vida cotidiana una no va por la vida caminando en unos "Armadillo Boots" y es allí donde un diseño "usable" se cuela en el armario de las mujeres mantiene a flote las ventas en una industria.

La moda no se trata solo de la elevación del vestuario al arte, sino que también es el día a día, es la industria y un diseño que realce y represente a la persona que lo lleve puesto.

Al día de hoy las puertas de la moda parecen estar más abiertas gracias al trabajo de toda una generación y a los nuevos ejes del mundo digital, la moda de lujo ahora está apostando por diseñadoras como Stella McCartney quien recientemente entró a formar parte del conglomerado LVMH (tras su salida del grupo Kering) lo cual no solo le dará la libertad creativa de seguir liderando su marca sino que también asumirá el puesto de consejera especial del equipo de sostenibilidad, un paso importante para la lucha contra el despilfarro en el sector.

Los genios creativos nos han dado muchísimo, nos inspiran y nos hacen soñar, pero al final del día acaso ¿No fue Coco Chanel la primera en colocarle ropa cómoda y usable a la mujer? Despojándola de los artificios que dificultaban su libre expresión y movimientos.

Durante la última temporada los ojos del deporte parecen haberse centrado en las elecciones de vestuario de una de las tenistas más brillantes, polémicas y escrutadas de la historia del tenis moderno, Serena Williams.

El tutú es una pieza que va más allá que un simple vestuario teatral. La delicadeza y romanticismo que envuelve al tul es un símbolo clásico de feminidad que reconoce la dedicación y esfuerzo de las bailarinas de ballet, pero para la tenista Serena Williams, ha sido un símbolo de reivindicación tras una temporada en la que los focos de nuevo se han posado sobre su cuerpo y vestuario, nada nuevo para la atleta.

Desde el inicio de sus carreras, las Williams (Venus y Serena) han acaparado la atención de los críticos por su apariencia, la cual ha sido duramente diseccionada, ridiculizada y criticada. Los recientes ataques del presidente de la Federación Francesa de Tenis, Bernard Giudicelli, por el traje negro de Nike que usó la tenista durante el Roland Garros, son sólo el más reciente capitulo en un largo historial de agresiones.

Una carrera llena de prejuicios

La adolescencia suele ser una etapa que viene con una cuota de inseguridades y falta de autoestima muy propias de esos años, pero si estos conflictos personales se le suma la grave problemática racial, aun imperante en nuestras sociedades modernas, el resultado puede ser una pesadilla para quien le toca vivirlo. A menudo Venus y Serena, fueron objeto de chistes por elegir peinar su cabello con trenzas de cuentas, un estilo muy popular entre las jóvenes afroamericanas en los 90’s. La hermana mayor, Venus Williams, incluso llegó a recibir una penalización por interrumpir un partido cuando una de sus cuentas se salió.

Serena y Venus Williams cabello con cuentas

Pero el verdadero escrutinio público llegó en la edad adulta. Sus cuerpos fornidos y atléticos comenzaron a acaparar la atención de espectadores y colegas. Durante 14 años, Serena Williams se dedicó a boicotear el torneo californiano Indian Wells, tras un incidente racista en 2001.

Por su parte, el gremio de tenis femenino tampoco ha sido particularmente amable. Según informes, la “chica glamurosa” del tenis Anna Kournikova, lanzó una opinión sobre el cuerpo de las Williams al decir, “Odio mis músculos. No soy Venus Williams. No soy Serena Williams. Soy femenina No quiero parecerme a ellas. No soy masculina como ellas”. En su momento, la tenista defendió el clásico estereotipo de feminidad, como si un cuerpo fornido y atlético fuera una clara oposición a lo femenino y heterosexual.

Controversias de vestuario

Las sorpresivas declaraciones Bernard Giudicelli, meses después del Roland Garros, causan revuelo no sólo el escrutinio a la vestimenta de una atleta femenina, que además tenía sobradas razones de salud para usar ese traje negro, sino porque a diferencia de Wimbledon y su clásico código de vestimenta impolutamente blanco, el Abierto de Francia ha sido tradicionalmente un torneo donde los jugadores pueden expresarse a través de la moda.

Pero el tenis es un deporte que se escandaliza con facilidad, esto quizás a sus raíces elitistas. El traje negro o catsuit inspirado en Wakanda de Nike puede que haya causado controversia en pleno 2018, pero no es la primera vez que una tenista opta por un enterizo.

En los 80’s, la entonces estrella del tenis americano Anne White, causó revuelo la primera ronda del Wimbledon de 1985, cuando decidió usar un traje enterizo blanco en lugar de la una falda de tenis, aunque técnicamente estaba dentro del reglamento del torneo, se le pidió que no lo volviera a usar ya que fue considerado como un atuendo “ridículo”.

La controversia no pasó de allí y fuera del torneo la “atrevida” elección de vestuario fue alabada por los medios. Diecisiete años más tarde, la historia fue diferente: una mujer negra y fornida usó un short enterizo para el US Open de 2002, esa mujer era Serena Williams.

Serena, fue acribillada por los medios quienes pusieron la lupa sobre sus “músculos ofensivos”, su elección “ultra arriesgada”, la acusaron de “dejar poco a la imaginación” e incluso una de las columnistas del Washington Post la describió como “una chica trabajadora de otro tipo” y calificó el traje de catsuit de “basura”.

Así que no es de extrañar la aplacada reacción de Serena Williams ante la prohibición del catsuit en los próximos torneos del Roland Garros. “Creo que, obviamente, los Grand Slams tienen derecho a hacer lo que quieren hacer”, dijo.

Serena Williams traje negro posnatal nike Wakanda

Con los años su piel ya se ha endurecido lo suficiente como para no prestarles atención a las feroces críticas, ya está acostumbrada a los comentarios sobre su apariencia. Esta vez fue sociedad y los medios de comunicación quienes se escandalizaron por semejante medida. Incluso Nike, posteó un tuit brindándole su total apoyo a la tenista.

Serena Williams no se victimizo, no hizo un escándalo; en vez de eso envió un poderoso mensaje a través de su guardarropa. De la mano de Nike y Virgil Abloh, diseñador y director artístico Louis Vuitton’s en los Estados Unidos, la tenista participó en el diseño de un conjunto deportivo lo suficientemente femenino y voraz como para dejar al mundo entero boquiabierto. Un traje asimétrico con un tutú, que evoca toda la gracia de las bailarinas clásicas.

¿Quién hubiese imaginado un tutú en la cancha de tenis del US Open? Nadie. Serena, dio un espectáculo majestuoso a la vista, donde la agresividad de la tenista se combinó con la delicadeza de las capas de tela que componían su falda negra. “Cuando me uní a Virgil y sacó su tutú, pensé: este es el momento que he estado esperando” comentó Williams.

Pero todo su vestuario era una declaración de intenciones, en las zapatillas deportivas, que también forman parte de su recién lanzada colección en colaboración, Nike x Off White Queen Collection, se podía leer la palabra “Queen” (reina), no esperarías menos la de número #1 del tenis a nivel mundial, esa noche salió y ganó.

La atleta, volvió a repetir el traje de bailarina en al menos dos ocasiones más, y aunque el trofeo del US Open se lo llevó la joven japonesa, Naomi Osaka, el torneo pasara a la historia por la poderosa declaración que la tenista envió. Mensaje recibido, Serena Williams es una leyenda.

El informe anual Global Slavery Index 2018, puso al descubierto el secreto a voces más temido dentro de la industria de la moda, la esclavitud que millones de mujeres y niños padecen dentro de la cadena de suministro de las grandes empresas textiles.

Detrás de cada prenda hay una historia diferente, que va desde el sueño de un diseñador o emprendedor hasta la pesadilla cotidiana de millones de personas en países cuya pobreza y falta de un marco legal propicia el desarrollo de un sistema de trabajos forzosos e inhumanos.

Un nuevo estudio publicado por Walk Free Foundation, identificó a la moda como una de las cinco industrias clave que contribuyen a la esclavitud moderna, en su nuevo informe Global Slavery Index 2018, conjunto con otras manufacturas menos glamurosas como la de la electrónica, el cacao, la caña de azúcar y el pescado.

¿Quién lo diría, no? Ese es el secreto a voces más conocido en la industria, por el cual los gobiernos, los empresarios y los consumidores hacemos de oídos sordos, y volteamos la vista hacia nueva rebaja de temporada.

Dentro del informe se define a la esclavitud moderna como “situaciones de explotación en las cuales una persona no puede rechazar o abandonar su labor debido a amenazas, violencia, abuso de poder o engaños”. Los países donde aún prevalece la esclavitud casualmente también poseen instituciones débiles y leyes tan pobres como su población, como es el caso de Corea del Norte, Burundi y Eritrea, los tres países principales, pero no es una realidad tan lejana, esto también sucede en países tan cercanos como Argentina y Brasil.

El estudio estima que hoy en día 40.3 millones de personas son esclavizadas en todo el mundo, de las cuales el 71% de los afectados son mujeres, pero esta es solo la punta del iceberg de un problema aún más grave.

Informes publicados por Unicef también revelan que el 11% de los niños del mundo se ven obligados a trabajar y muchos de estos infantes laburan dentro de la cadena de suministro de la moda, haciendo los textiles y las prendas de vestir que satisfacen la demanda de los consumidores en Europa, Estados Unidos y de otras economías crecientes.

FAST FASHION Y EL CONSUMO DESMEDIDO

La industria de la moda y los consumidores, en igual manera, somos culpables de beneficiarnos del trabajo de esclavos. Este consumo desmedido, en parte se debe al fenómeno del “fast fashion” (moda rápida), popularizado por las grandes cadenas como Zara y H&M.

Por otra parte, a nivel histórico otro de los grandes factores fue el estancamiento económico de los años setenta, cuando las grandes marcas de moda viraron su objetivo hacia la cantidad y no calidad; las empresas empezaron migrar hacia países con mano de obra más barata que le ofrecían reducir sus costes de producción considerablemente. De esta forma se combatió la fuerte crisis económica mundial y, poco a poco, las pequeñas firmas siguieron el ejemplo de las más grandes. Así occidente logró satisfacer su demanda base de explotar a estos países.

Actualmente la moda es una industria valorada en 30 mil millones de dólares, según datos del Departamento de Estado de EE.UU, en un sistema tan grande las nebulosidades y falta de transparencia son terreno fértil para este tipo de abusos.

Dentro del informe publicado por Walk Free Foundation, se establece que de los $ 354 mil millones de dólares importados en los países del G20, representantes el 80% del comercio mundial, las prendas de vestir figuraron con un total de $ 127,7 mil millones en importaciones potencialmente fabricadas con mano de obra esclava.

UNA CADENA DE SUMINISTRO NEBULOSA

Es sabio notar que en una industria de tal envergadura y con tantos peces gordos, muchas de las grandes compañías de moda no tienen el control total sobre sus complejas cadenas de suministro y esta dificultad propicia el escenario perfecto para que empleadores abusivos se salgan con la suya, lo que hace posible estas practicas inhumanas como la esclavitud, trabajo infantil y tráfico de personas.

No se trata de ser abogado del diablo, pero durante gran parte del trabajo y el proceso creativo de una colección de ropa se subcontrata a varios proveedores que se encargan de supervisar cada uno de los pasos que van desde la materia prima hasta la pieza final, lo cual le dificulta a las grandes firmas cerciorarse por completo de cada pequeño detalle. Eso hace posible emplear esclavistas sin que las compañías lo descubran.

Si bien el estudio no culpa a ninguna firma en concreto en el pasado grandes empresas como la española Inditex, se han visto salpicadas por no garantizar las condiciones laborales de sus trabajadores en Asia.

El trabajo por hacer es titánico y no dará resultados a corto plazo, pero acciones concretas como la tomada en 2017 por Inditex, Gucci y Levi’s en conjunto con la Walk Free Foundation, es un pequeño paso para erradicar el abuso desmedido en las plantaciones de algodón no ético (uno de los eslabones más bajos dentro de la cadena de suministro).

En la actualidad, los problemas a los que se enfrenta la industria de la moda son complejos. Queda de parte de nosotros los usuarios fomentar la conciencia colectiva, comprar de manera responsable y exigirle a las grandes marcas más acciones en concreto, al fin y al cabo hoy más que nunca estamos en una era donde la opinión de los consumidores es altamente valorada. Entonces ¿Seguiremos tapando esta problemática entre toneladas de ropa? O ¿esperaremos a que suceda otro desastre como el de Rana Plaza, para volver sentir la responsabilidad colectiva?

La moda como negocio:

Una carrera llena de prejuicios

Controversias de vestuario

FAST FASHION Y EL CONSUMO DESMEDIDO

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